>Desirée

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Título Original – Desirée

Año – 1954

Director – Henry Koster

Elenco – Marlon Brando, Jean Simmons, Merle Oberon, Michael Rennie, Cameron Mitchell

Adaptación de la novela de Annemarie Selinko, basada en el estudio de los diarios de Desirée. La acción comienza en Marsella (1794) y concluye en París (1815). Narra la historia de Desirée Clary (Jean Simmons), hija de un comerciante marsellés, de la que se enamora Napoleón cuando ella tiene 17 años. Las ambiciones de Napoleón le llevan a París, donde por conveniencia contrae matrimonio con Josephine Beauharnais, mientras ella se casa con Jean Battiste Bernadotte.

La película frivoliza la realidad con escenas espúreas, que deslucen el relato, como la rendición de Napoleón, tras Waterloo (1815), ante Desirée. La obra muestra las inmensas ambiciones de Napoleón, que sueña con dominar el mundo, aún a costa de desmesuradas pérdidas en vidas humanas y de sacrificios personales tan poco razonables como la renuncia a su único y gran amor. Napoleón encarna la megalomanía, las ansias de poder absoluto y una desproporcionada ambición. La insaciabilidad de ésta le lleva a emprender aventuras cada vez más arriesgadas, en una espiral sin retorno de sangre, dolor y derrotas. Desirée encarna el contrapunto de Napoleón: no le gustan los palacios, detesta la ostentación, se adapta mal al rigor de los formalismos oficiales, confraterniza con todos, es consciente de sus limitaciones y renuncia a honores que no la satisfacen. Bernadotte personifica la fidelidad a los ideales, la incorruptibilidad, la disconformidad con Napoleón y el éxito basado en el trabajo, en el respeto al Parlamento y en el servicio a los ciudadanos.

La música incorpora 24 melodías, algunas tomadas de autores diversos: «El vals de Desirée» (Alfred Newman), «Te Deum» (Wagner), «Plaisir d’amour» (Giovanni Martini). Las composiciones originales evocan el alma de los personajes. La fotografía opta por un cromatismo equilibrado, contrastado y matizado. Destaca la recreación escénica del cuadro de Jacques-Louis David «La coronación del Emperador» (1805/07). Se beneficia de un vestuario y unos decorados brillantes y llamativos. El guión enlaza historias de diferente tono en un solo relato, del que Napoleón es el protagonista. Los diálogos son algo artificiosos. La interpretación de Brando (en ese entonces de 29 años) es correcta, aunque inferior a sus niveles de excelencia («Un travía llamado deseo», «Nido de ratas»). Michael Rennie cumple con corrección, mientras Jean Simmons queda deslucida en un papel en el que no se siente cómoda. La dirección, excesivamente maleable, busca la espectacularidad y el favor del público con concesiones que devalúan el film.

Película realizada para un éxito fácil y amplio, con sacrificio de la solidez de la obra y el rigor del relato. Contiene elementos de interés. (Miquel: Filmaffinity)

 
 

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>Y Dios Creó A La Mujer

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Título Original – Et Dieu Créa La Femme

Año – 1956

Director – Roger Vadim

Elenco – Brigitte Bardot, Curt Jurgens, Jean-Louis Trintignant, Christian Marquand, Georges Poujouly

Además de catapultar al estrellato a Brigitte Bardot, el revuelo causado por la irregular ópera prima de Roger Vadim sirvió para mostrar al mundo una nueva y refrescante imagen de la juventud francesa, a través del aspecto de una joven irremediablemente atractiva, emancipada y desinhibida.

Y aunque la película se haya convertido en objeto de culto con el paso de los años, cinematográficamente no aporta grandes innovaciones que puedan incluirla, ni mucho menos, dentro del grupo de la “nouvelle vague”, por aquel entonces maldiciendo el cine de “qualité” de la época desde “Cahiers du cinéma” . Sin embargo, la agitación que produjo la cinta allá en 1956, y es reconocido por historiadores del cine, fue uno de los detonantes del surgimiento de una nueva imagen de la joven francesa, exportable al resto del mundo. Lo cual dio pie a una encuesta sociológica sobre los fenómenos generacionales, lanzada y popularizada por una serie de artículos de Françoise Giroud publicados en el semanario “L’Express”, en 1957.

 Ahí se habla de un nuevo tipo de juventud, de los futuros médicos, abogados e ingenieros y de un nuevo tipo de prensa. Entre octubre y diciembre de ese año se publicaron los resultados bajo el eslogan: « ¡La nouvelle vague llega ! », representado por el rostro de una joven que sonríe. Ésa será la primera vez que aparezca el término en los medios para referirse a un movimiento de ruptura y a la modernidad en la sociedad. Y fue a raíz de ese eslogan, que fue bien exprimido por el semanario, cómo las películas de la nueva generación de cineastas franceses que irrumpieron con fuerza en Cannes dos años después (“Los 400 golpes” e “Hiroshima, mon amour”), fueron prácticamente de buenas a primeras encasilladas con ese nombre por estar en sintonía con las tesis que se argumentaban en los artículos de “L’Express”.

Por ello, algo se le debe a la primera película de Roger Vadim de cara a la aparición, no ya sólo del término “nouvelle vague”, sino también en cuanto a los planteamientos estético-generacionales que se establecieron a lo largo de los años 60’. Pese a que las instancias católicas de Lake Placid, Nueva York, se ocuparan en su día de comprar todas las entradas de los cines y de amenazar con excomulgar a quien viera la película. Si más de medio siglo después estoy hablando de todo esto, creo que no hace falta decir que los esfuerzos fueron en vano. (hpBordón: Filmaffinity)

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>Sabaleros

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Título Original – Sabaleros

Año – 1959

Director – Armando Bo

Elenco – Isabel Sarli, Armando Bo, Alba Mugica

Melodramón con aparente inspiración en “Romeo y Julieta”, ya que cuenta el romance entre hombre/mujer, hijos de pescadores rivales. Pero lejos de Shakespeare, Bo insiste con el mensaje social y ofrece una violenta pelea entre mujeres (Isabel y Alba Mugica), dentro de autenticas aguas servidas e infectadas por materia fecal, cosa que agravó consecuentemente la salud de la diva sexy. Filme poco visto en la actualidad. ¡¡¡Pero acá lo tenés!!! (http://www.rosariocine.com.ar)

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>Doce Hombres En Pugna

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Título Original – 12 Angry Men

Año – 1957

Director – Sidney Lumet

Elenco – Henry Fonda, Lee J. Cobb, E.G. Marshall, Jack Warden, Ed Begley, Martin Balsam, John Fiedler

En una época en la que abundan las superproducciones, grandes en presupuesto y efectos especiales, pero escasas de imaginación y talento, se valora más esta película. Bajo una aparente sencillez (la trama se desarrolla en su mayor parte en una habitación), se esconde una compleja reflexión sobre la conducta humana, los prejuicios y la justicia.

Un guión soberbio dibuja a unos personajes muy reales, en cuyo comportamiento nos podemos ver reflejados cualquiera de nosotros.

En definitiva «Doce hombres en pugna» es una película que no ha envejecido y que nos invita a reflexionar sobre el triunfo de la razón y la lógica sobre la sinrazón, la importancia de las minorias y la enorme responsabilidad de un jurado ante un presunto asesino. (Txeloa: Filmaffinity)

 

>El Bolero De Raquel

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Título Original – El Bolero De Raquel

Año – 1956

Director – Miguel M. Delgado

Elenco – Mario Moreno «Cantinflas», Manola Saavedra, Flor Silvestre, Paquito Fernández, Mario Sevilla

El limpiabotas (bolero en México) Cantinflas, debe hacerse cargo de «Chavita» (Paquito Fernández), su ahijado, cuyo padre murió en un accidente. Ansioso de progresar y tener dinero para mejorar la vida de ambos, Cantinflas toma la decisión de ir a la escuela con Chavita, para poder instruirse. Allí se enamorará de una atractiva profesora: Raquel (Manola Saavedra).

Cantinflas aparece bailando en el escenario con una bailarina vestida de rojo, ésta es Mimi (Elaine Bruce). La obra musical es el Bolero de Maurice Ravel, de ahí proviene el juego de palabras para el título de la película.

El Bolero de Raquel es la película más importante de la filmografía de Cantinflas, es un film sumamente cómico y una joya para los fanáticos del comediante mexicano. La película recibió una nominación al “Ariel de Plata” por mejor actuación infantil: Paquito Fernández. También fue la primera película en colores en la que participa Cantinflas. (Operez: Filmaffinity)

 

>Sayonara

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Título Original – Sayonara

Año – 1957

Director – Joshua Logan

Elenco – Marlon Brando, Miiko Taka, Red Buttons, Miyoshi Umeki, James Garner, Ricardo Montalbán

La historia no es descollante ni tampoco para tirar cohetes, es una película bella sobre el amor en los tiempos de la guerra. Pero la considero absolutamente imprescindible sólo por el monólogo final cuando Brando intenta convencer a su chica de porqué no deben separarse y tienen que amarse para toda la vida. ¡Por favor! es lo más conmovedor que se ha visto en cine, para morirse de amor con un monstruo sagrado como Marlon Brando más creíble y hermoso que nunca. (Mantis: Filmaffinity)

 

>Plan 9 Del Espacio Exterior

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Título Original – Plan 9 From Outer Space

Año – 1959

Director – Ed Wood

Elenco – Bela Lugosi, Vampira, Lyle Talbot, Gregory Walcott, Mona McKinnon, Maila Nurmi, Tom Keene

Evaluar una película como «Plan 9 From Outer Space» no es fácil. Calificada por la crítica como la peor película de todos los tiempos, Burton le hizo decir a Johnny Deep- que interpretaba a Ed Wood en la película basada en su vida- un hilarante «esta será la película por la que seré recordado». No se equivocaba, Ed Wood será recordado como el peor director de todos los tiempos gracias a este intento de película de terror.

Sin embargo, a pesar de tener tan pésima calificación, es difícil hacer una crítica seria a una película cuya calidad es tan baja que casi es imposible explicitarlo con palabras: y es que no importa cuantos ejemplos pueda poner de errores de esta película, toda ella es tan sumamente espantosa en todos los sentidos posibles, que es imposible que cualquier párrafo que escriba logre abarcar el atentado contra el buen gusto cinematográfico que supone «Plan 9 From Outer Space». Actuaciones patéticas, guión absurdo, montaje completamente desestructurado, efectos especiales que hacen reir, fotografía inexistente, maquillaje de Plastidecor y un argumento que no hay por donde tomarlo.

¿Quiere esto decir que Plan 9 From Outer Space no sea una película recomendable? ¡En absoluto, es de visión obligada! Porque se trata de una película tan mala que se sale de todo posible sistema de evaluación. Podemos poner lo peor abajo y lo mejor arriba, pero si suponemos que el universo pueda tener forma esférica, Plan 9 bajaría tanto que tocaría los límites del cosmos y haría un círculo entero hasta ponerse en lo más alto del cine. Paradójicamente su espantosa calidad la hace una película fabulosa, lo ridículas que son todas sus escenas hacen que esta sea una pieza de comedia no intencionada memorable, todo un avatar de la ciencia ficción de Serie B de los años cincuenta. Así pues, la puntuación más baja se le puede dar bajo unos criterios objetivos para determinar su calidad, pero de un género como el de Plan 9- es decir, el subgénero de las películas malas de ciencia ficción- la película de Ed Wood se muestra como el máximo exponente, tiene el trono casi indiscutible de la peor película de todos los tiempos. De lo malo, lo peor, y de tan peor acaba por hacerse entrañable. ¡Ojalá todo el cine malo fuera tan evidentemente patético, tan terriblemente risible y tan estúpidamente carismático! (Barón Vadeaux: Filmaffinity)

 

>La Reina Africana

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Título Original – The African Queen

Año – 1951

Director – John Houston

Elenco – Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley, Peter Bull, Theodore Bikel

Ignoro si el cinéfilo nace o se hace pero, en cualquier caso, para serlo es necesario ver un montón de películas; si puede ser desde niño, mejor. El cine de aventuras constituye, en este sentido, un excelente género para foguear a cualquier tierna criaturita que consienta en recorrer como espectador los interminables y variopintos senderos del séptimo arte.

Mi instinto pedagógico me conmina a encauzar esa agotadora andadura de la mano de pelis como “Las minas del rey Salomón”, “Lawrence de Arabia” , “Indiana Jones y Los Cazadores del Arca Perdida” y tantas otras, pero si tuviera que elegir una, sólo una, lo tengo claro: Ninguna peli de aventuras podría arrebatarle el cetro a “La reina de Reina Africana”. La reina madre de todas las pelis de aventuras.

Huston dió forma y sentido a una peli que tiene todo lo que debe tener una cinta de aventuras que se precie: guión ameno, exteriores exóticos, buenas dosis de acción, algo de drama, algo de comedia, algo de romance y un par de actores de reconocido carisma. Pero lo mejor de todo es el innato talento del viejo John para contar historias. Probablemente ese prodigioso don es el que convierte a “La Reina Africana” en una obra asombrosamente emocionante, cautivadora y paradigmática. Sin rival. (Taylor: Filmaffinity)

>La Casa De Té De La Luna De Agosto

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Título Original – The Teahouse Of The August Moon

Año – 1956

Director – Daniel Mann

Elenco – Marlon Brando, Glenn Ford, Machiko Kyo, Eddie Albert, Paul Ford, Henry Morgan

Divertida, irónica, sensible, entretenida,… La película presenta las típicas «americanadas“ y el conservadurismo extremo con un humor sano e inteligente. La interpretación de Glenn Ford le da mucha ternura y humanidad a su personaje. La caracterización de Marlon Brando me parece excelente de forma y fondo; tanto es así que apenas se reconoce al actor dentro de Sakini, el «traductor“ japonés: un lugareño modesto y listo que aprovecha la ocupación de los americanos todo lo que puede y que tiene su modo particular de vivir la situación. Te da la sensación de que no pueden «invadir» a Sakini aunque ocupen Japón.

La película te acerca a Okinawa, y la aldea japonesa en la que se desarrolla se vuelve cercana y familiar la historia te lleva hasta el lugar con dinamismo y liviandad, y sientes estar allí, aunque se vean pocos paisajes y entornos.

Lo fundamental de esta película son los personajes y sus diálogos; pasas muchos minutos en el cuartucho del protagonista, acompañándolo en su aventura, y no echas de menos el exterior porque lo que sucede es ameno y está bien concebido y presentado. Te mantienes -al menos- con una sonrisa casi toda la película, y eso -para mí- ya merece un nueve. Me parece destacable la divertida interpretación de Paul Ford en el papel del coronel; es uno de esos personajes secundarios que se quedan grabados, que no se olvidan.

No es un «peliculón» ni técnicamente perfecta, pero si te gusta la comedia americana de los años cincuenta, creo que es una película encantadora que merece la pena ver en algún momento. (Aramis: Filmaffinity)

>De Aquí A La Eternidad

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Título Original – From Here To Eternity

Año – 1953

Director – Fred Zinnemann

Elenco – Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed, Ernest Borgnine

Ganadora del Oscar 1953 a la Mejor Película

Una cinta sobre soldados, pero que no se adentra en los conflictos bélicos en sí sino en los pormenores de la vida militar desplegando un interesante abanico sobre las vicisitudes propias del entrenamiento en las Fuerzas Armadas.

Así habrá tiempo para inmiscuirse en los pasados que abruman y que dejan cicatrices difíciles de superar, en los conocidos abusos de autoridad amparados por la impunidad jerárquica, en historias de infelicidades y de desesperada búsqueda de prosperidad en la vida, en terquedades que nunca darán el brazo a torcer para no traicionar convicciones, en huidas de la soledad, en decisiones que arriesgan la seguridad por llevar adelante los ideales y tener la chance de una segunda oportunidad.

Filme que se destaca mucho más por la profundidad dramática de los personajes en esa realidad castrense que por las situaciones bélicas en sí (aunque es ineludible mencionar la espectacular factura técnica de los pocos pasajes belicosos que aparecen al final del filme) (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)