Category: Oscar Mejor Película


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Título Original – The King’s Speech
Año – 2010
Director – Tom Hooper
Elenco – Colin Firth, Helena Bonham Carter, Geoffrey Rush, Michael Gambon, Guy Pearce, Timothy Spall


Ganadora del Oscar 2010 a la Mejor Película
Si hubiera que buscar una palabra para definir El discurso del rey, ésta sería sin duda elegancia. Como les sucede a las mejores películas británicas, ésas que recordamos con agrado y que se dejan ver de modo amable y entusiasta, la elegancia es el rasgo predominante en esta obra que se sostiene sobre el inmenso trabajo de los dos actores protagonistas, el brillante Colin Firth y el más que solvente Geofrey Rush, cuyo duelo interpretativo vertebra la mayor parte del metraje. Al margen del soberbio trabajo actoral, la película se ve con interés merced a un guión que mantiene en todo momento la línea argumental, yendo al grano y sin perderse en vericuetos ajenos a la trama y caídas de ritmo.

La película hace gala, por otro lado, de un espíritu clásico que alcanza su cúspide en la parte final, por lo que no sería de extrañar que fuera recompensada con algún que otro Oscar. Nueva muestra, por tanto, del buen hacer del cine británico, que con la sencillez por bandera narra esta historia de aprendizaje y superación de un rey que lo fue casi por casualidad y del hombre que le enseñó a vencer sus complejos. (JC: Filmaffinity)

 
 
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Título Original – The Lost Weekend
Año – 1945
Director – Billy Wilder
Elenco – Ray Milland, Jane Wyman, Philip Terry, Doris Dowling, Frank Faylen, Howard da Silva

Ganadora del Oscar 1945 a la Mejor Película

Una de las películas sobre alcoholismo/drogodependencia más interesantes que se pueden ver. No es necesario haber pasado por ello para entender el problema que tiene Don, para saber que lo que se nos cuenta es una historia verdadera. Sobran los efectismos porque la realidad es suficientemente trágica.
Los diálogos son magníficos y los secundarios están bien trabajados, desde la Gloria de Doris Dowling hasta el barman. Quizás yo habría elegido una fotografía algo más oscura. Es casi imposible profundizar más en el tema desde el cine. (Jastarloa: Filmaffinity)

 
 
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Título Original – The Great Ziegfeld
Año – 1936
Director – Robert Z. Leonard
Elenco – William Powell, Myrna Loy, Luise Rainer, Frank Morgan, Fannie Brice, Virginia Bruce
Ganadora del Oscar 1936 a la Mejor Película
El gran Ziegfeld podría haber sido una gran película, pero desgraciadamente por culpa de un guión insuficiente hoy sólo es conocida por haber ganado varios Oscars, lo que es una lastima ya que su primera parte (el film está divido en dos con un interludio que separa ambas partes) se podría definir casi como magistral y es donde se relata el incipiente arribismo de Ziegfeld y su pasión por la belleza y las mujeres y todos los acontecimientos que le llevaron hasta crear los Ziegfeld Follies. Es en esta primera mitad donde también aparece el personaje de Luise Rainer recreando a Anna Held (primera amante de Ziegfeld) que dota de gran brío a la historia gracias a su comicidad y su excelente interpretación (premiada con un Oscar a la mejor actriz por mucho que su papel sea de reparto).
Es cuando llega la segunda mitad, cuando todo pierde interés, algo debido en cierto modo a la aparición de los interminables números musicales de las Follies que si bien son deslumbrantes, tampoco aportan nada ni hacen que la historia avance, aunque también es cierto que la historia se hunde en el momento en el que desaparece Luise Rainer para dar paso a una simplemente correcta Myrna Loy interpretando a Billie Burke, la primera esposa de Ziegfeld. Quizás lo único interesante de esta segunda mitad sería la aparición de la archifamosa Fanny Brice haciendo de si misma (en 1968 Barbra Streisand saltaría a la fama al protagonizar la biografía de Brice en Funny Girl), pero poco más. Por último destacar la excelente interpretación de Frank Morgan como Jack Billings, el eterno rival de Ziegfeld y su único amigo. (Almacy: Filmaffinity)

 
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Título Original – Cimarron
Año – 1931
Director – Wesley Ruggles
Elenco – Richard Dix, Irene Dunne, Estelle Taylor, William Collier Jr., Nance O’Neil, Edna May Oliver
Ganadora del Oscar 1931 a la Mejor Película
Tras la Paramount, Metro y Universal, en 1931 le llega el turno de los oscar a la RKO. Se trata de una gran producción que narra, a lo largo de cuatro décadas, la consolidación del Estado de Oklahoma, combinando drama, comedia y western. Es muy posiblemente la película más ambiciosa de la RKO hasta la llegada devastadora, dos años después, de King-Kong.

La guía argumental que sigue la película para contar esa epopeya es la historia del periodista y abogado Yancey Cravat, personaje de ficción que encarna los aspectos más insobornables del individualismo americano. Defensor de las minorías, adicto a las fronteras desconocidas y a todas las guerras que cree justas, es un carácter tremendamente atractivo, que termina confundiendo integridad con integrismo. “Cimarron” es, sobre todo, un canto a los individualistas que hicieron de su vocación un dogma.

El inicio es célebre y da la medida de lo que pretendió el estudio con “Cimarron”: el legendario y espectacular “land rush”, la carrera que el gobierno federal organizó entre miles de colonos para repartir la tierra virgen que le había arrebatado a los indios. Cinematográficamente no me parece gran cosa, salvo por la curiosidad de ver a un inmenso ejército de extras a caballo filmados por multitud de cámaras. Más que cualquier cosa, “Cimarron” es la prueba por defecto de que, como escribió Borges, “la fotografía oblicua de un botellón, de una cerviz de toro o de una columna, es de un valor plástico superior a la de mil y un extras de Hollywood”.

Hay otros momentos más acertados. Por ejemplo, la llegada a la recién erigida ciudad de Osage de la familia Cravat, en una primera toma de contacto con el colorista ambiente fronterizo; la multitudinaria celebración religiosa que Yancey oficia; o el enfrentamiento mortal entre Cravat y “The kid”, con un diálogo final digno de un western de altura.

Pero lo peor de “Cimarron” es su actor principal, Richard Dix. Un personaje como Yancey Cravat exigía una composición mucho más profunda y sutil. Dix, intérprete en su día famoso y hoy olvidado, no parece haberse enterado de que el cine mudo era ya historia. Una enseñanza importante que se saca sin duda de “Cimarron”.

Antes que “Cimarron”, hay un buen número de obras maestras que podrían haber sido la película del año 1931: “Fatalidad” de Von Sternberg, “Dr. Frankenstein” de Whale, “City Streets” y “El hombre y el monstruo” de Mamoulian, “La Calle” de King Vidor y “Tabú” de Murnau. Aunque mi voto sería sin dudarlo para “Luces de la Ciudad” de Chaplin. (Bervizier: Filmaffnity)

 
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Título Original – The Best Years Of Our Lives
Año – 1946
Director – William Wyler
Elenco – Dana Andrews, Fredric March, Myrna Loy, Harold Russell, Teresa Wright, Virginia Mayo
Ganadora del Oscar 1946 a la Mejor Película
La vida después de la guerra que muchas veces resulta más dura que el propio campo de batalla para los que logran regresar, de eso trata esta película filmada al término de la Segunda Guerra Mundial. “Los mejores años de nuestra vida” es lo que yo definiría como uno de esos paradigmas del cine clásico a los que se les debe añadir, sin el menor atisbo de rubor, ese archiconocido latiguillo cinéfilo que suele poner la guinda a films de irreprochable factura. Sí, lo han adivinado: ese que reza ‘de visión onerosa e imprescindible’.

De hecho, me avergüenza no haber visto esta película hasta hace poco tiempo atrás. Hacía mucho que no descubría o repescaba en mi particular océano de obras maestras desconocidas o semiolvidadas una película de semejante calado. Una película redonda, completa y madura. Una película que, pese a su aparente sencillez, conmueve y cuestiona a partes iguales. Que te hace amar el cine un poquito más. Una película implacablemente sincera que describe una serie de sentimientos y situaciones impregnadas de ese tenue halo de tristeza y nostalgia postbélica con una pureza narrativa y estilística magistral.

Si aún no la han visto, ya están tardando. Probablemente, como en mi caso, pasará a engrosar ese particular compendio fílmico denominado ‘los mejores clásicos de nuestra vida’. (Taylor: Filmaffinity)

 
 
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Título Original – How Green Was My Valley
Año – 1941
Director – John Ford
Elenco – Walter Pidgeon, Maureen O’Hara, Roddy McDowall, Donald Crisp, John Loder, Anna Lee
Ganadora del Oscar 1941 a la Mejor Película
La ganadora del Oscar a la mejor película del año 1941, venciendo a la mítica “El Ciudadano” (Citizen Kane), fue este magistral melodrama que narra la vida de una familia minera de Gales, vista bajo los ojos de su miembro más joven. Un bello canto a los valores familiares que arrancó el alma del best-seller de Richard Llewellyn. (FILMAFFINITY)

 
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Título Original – Going My Way
Año – 1944
Director – Leo McCarey
Elenco – Bing Crosby, Barry Fitzgerald, Rise Stevens, Gene Lockhart, Frank McHugh, Jean Heather
Ganadora del Oscar 1944 a la Mejor Película
Con un convincente Bing Crosby, se nos plantea una película amable, que emana bondad y buen hacer. En ella Crosby interpreta a un cura dinámico y renovador que es destinado a una parroquia algo decadente a la que debe intentar engarzar con la comunidad en la que se encuentra.

La película en sí está bien, transmite optimismo, fuerza y amor al prójimo. Eso sí, también resulta un poco plana y previsible. Sin embargo, resulta agradable y además cuenta con la grandísima presencia de Crosby, que demuestra su gran voz en numerosas ocasiones, cantando solo o bien acompañado de Jean Heather.

En resumen, una película agradable a la que hay que exigirle lo justo, pero que no por ello deja de ser aceptable y recomendable. Para finalizar, resulta interesante comentar que los premios Oscar entregados en marzo de 1945 premiaron esta historia de la bondad con nada más que siete estatuillas. En el de mejor película batió nada menos que a “Double Indemnity””, lo que invita a pensar en que se premió la luminosidad y el optimismo en esos días previos al fin de la Segunda Guerra Mundial. (Néstor: Filmaffinity)
 


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Título Original – Tom Jones
Año – 1963
Director – Tony Richardson
Elenco – Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, David Warner, Edith Evans, George Devine
Ganadora del Oscar 1963 a la Mejor Película
Las correrías y juergas de un libertino bastardo educado como un caballero durante el siglo XVIII le proporcionó al cine británico una de sus más grandes conquistas de premios y público. Defendida por la crítica como una joya que captura el espíritu de la época y que insufla la “pasión por vivir”, algunos pensamos que es una mediocre película, hoy caduca y poco divertida, de éxito desmedido. Quizá fuera “rompedora” en su época, pero sorprende no sólo que arrebatara ese año los principales Oscars a obras artísticamente muy superiores como “América, América”, “8 1/2” o “Cleopatra”, sino que los académicos la vieran más divertida que la genial comedia “Dulce Irma “. (Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

 
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Título Original – Orinary People
Año – 1980
Director – Robert Redford
Elenco – Donald Sutherland, Mary Tyler Moore, Judd Hirsch, Timothy Hutton, M. Emmet Walsh
Ganadora del Oscar 1980 a la Mejor Película
Un debut a lo grande el de Robert Redford como director, la más aclamada por la crítica en general de todas las cintas que dirigiera en total hasta ahora.

Y un comienzo a lo grande, colmada de premios bien merecidos, ya que es una gran película desde lo discursivo y muy profunda desde el planteo conceptual.

Me encontré con una cinta que nos abre el panorama hacia un mundillo lleno de inseguridades, temores, penas, culpas, apariencias, frialdad, escasez de amor, problemas psicológicos post traumático, etc.

Una de las grandes virtudes del filme es el conseguido guión, que muestra en forma cabal las circunstancias tan crudas dentro de las relaciones interpersonales en una familia devastada por la tragedia.

Cada personaje sufre a su manera, cada uno lo expresa de una forma distinta: siendo muy condescendiente el padre, siendo fría y distante la madre, y con depresión el hijo adolescente. Todo ello causado por la trágica muerte del hijo mayor de la familia, en circunstancias donde todo parece ser que su hermano es el culpable del acontecimiento dantesco.

Me gustó mucho cómo están retratados cada uno de los personajes, muy bien caracterizados, interactúan en un argumento solvente y sólido desde el aspecto lógico.

Los registros dramáticos dominan el filme, logran conseguir una atmósfera apesadumbrada, llena de melancolía y sufrimientos.

Las actuaciones son otro punto a favor, Timothy Hutton en una composición magistral, dando vida al personaje más acomplejado por la desgracia, en parte por sentirse culpable y por otro lado por la etapa de su vida en que se produce esta pérdida. Merecido su Oscar como mejor actor de soporte.

Mary Tyler Moore y Donald Sutherland consiguen hacer creíble cada escena del filme, y aportan la cuota de experiencia para darle a la cinta el toque aplomado y sobrio necesario para este tipo de filmes.

Los diálogos son profundos, una demostración de exposición de sentimientos en distintas situaciones.

En definitiva, una gran película que nos hace sumergir en el mundo trágico de una familia tipo, donde cada uno de sus componentes deberán tratar de adaptarse lo mejor posible al duro golpe que la vida le deparó. Recomendable alternativa reflexiva. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)

 
 
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Título Original – You Can’t Take It With You
Año – 1938
Director – Frank Capra
Elenco – James Stewart, Jean Arthur, Lionel Barrymore, Edward Arnold, Mischa Auer, Ann Miller
Ganadora del Oscar 1938 a la Mejor Película
“Vive como quieras” es una joya de película, es un dulce para el espíritu, una caricia en el corazón, un rayo de luz para la razón.

Es un rayo de luz para la razón porque, en este mundo en el que vivimos, en el que la felicidad depende de  acumular bienes que no nos satisfacen, que nunca nos saciarán; aquí, en esta película, nos sugieren dejar de perseguir espejismos; nos disuade de creer cada día que si corremos un poco más un día alcanzaremos nuestra sombra; o de intentar en vano, una y otra vez llenar un saco sin fondo.

Es una caricia para el corazón porque nos anima a buscar la anhelada felicidad en las cosas próximas como en un trabajo que nos satisfaga, -aunque no podamos abultar una cuenta bancaria para comprar cosas banales, que una vez adquiridas dejan de tener el valor que le atribuimos-, nos sugiere cuidar unas relaciones personales más afectivas y auténticas, como es la familia, los amigos y los vecinos. No necesitamos de los compromisos, la apariencia o el halago, solo hemos de atrevernos a vivir como queramos, de forma más auténtica, según nuestro profundo sentir.

Esta película es un dulce para el espíritu, porque nos hace pasar una agradable velada al reconciliarnos con nosotros mismos. Esta película es pues, repito, una auténtica joya. (Bonifacio: Filmaffinity)

 
 
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