Category: Policial


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Título – Seven (Se7en)
Año – 1995
Director – David Fincher
Elenco – Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree

¿Qué decir de Seven que no se haya dicho ya? Nada. Simplemente ratificar una de las mejores películas de la historia del cine en su género. El thriller policíaco de los noventa se llama Seven.


Con un argumento original y muy bien llevado gracias al magistral reparto. Brad Pitt como detective novato con conocimientos se sale, Morgan Freeman, cansado de su trabajo y con mucha experiencia, siempre en su punto, y Kevin Spacey que interpreta a un lunático intelectual en la piel de un asesino en serie que juega con el FBI. Impresionante.


Siete pecados capitales, siete formas de morir, siente puntos de originalidad, siete vueltas de tuerca. La película avanza de forma trepidante hasta deleitarnos con uno de los mejores finales que he visto nunca. Engancha al principio, mantiene el listón durante toda la película, y acaba mejor. (Ximo: Filmaffinity)

 


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Título Original – Marathon Man
Año – 1976
Director – John Schlesinger
Elenco – Dustin Hoffman, Laurence Olivier, Roy Scheider, William Devane, Marthe Keller
La carrera en Central Park, el encuentro con el anticuario, las bombas, los coches embistiéndose en las calles de Nueva York…Uno no entiende nada pero ya esperamos que va pasar algo. La fórmula del suspense. Poco a poco la historia se va centrando hasta alcanzarse la linealidad en Dustin Hoffman. Éste se ha granjeado pronto nuestras simpatías. En la elección entre un heroico agente secreto y un estudiante de Universidad con algo de perdedor, pronto nos identificamos con éste último. Y esta elección será nuestro asidero ante los vaivenes de una trama frenética. Será también nuestra condena porque la historia se desarrolla adversamente contra nuestro protagonista, que involuntariamente acaba enfrentándose a la personificación del horror encarnado en un criminal nazi –genial Laurence Olivier- en una trama de agentes secretos y diamantes que nunca queda demasiado clara. Poco importa, porque Dustin sufre y nosotros con él. Estamos lejos de los superhombres a los que estamos acostumbrados en la épica. Aquí nos hallamos ante un ser humano en peligro. Podría ser cualquiera de nosotros. ¿Qué haríamos en su situación? Así es como se encara este macabro juego de rol no apto para aprensivos a los dentistas. Treinta y tantos años después y con todo lo que se inventa en el cine para sacudirnos la apatía, un cine así justifica la existencia de éste. Prepárense para estar en tensión. (Talladal: Filmaffinity)

 


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Título Original – Bad Lieutenant: Port Of Call New Orleans
Año – 2009
Director – Werner Herzog
Elenco – Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer, Xzibit, Shea Wigham, Fairuza Balk


Es bastante menos que la versión original de Abel Ferrara, no sólo desde el argumento, el cual ofrece menos variantes y menor profundidad conceptual, sino que también no hay punto de comparación entre el descomunal trabajo interpretativo de Harvey Keitel y el apenas discreto desenvolvimiento de un Nicolas Cage que no termina de encajar del todo en el personaje.


La historia se centra en un detective drogadicto y corrupto (Cage) que debe investigar un caso de múltiples asesinatos. Sus métodos de acción son muy poco correctos (un claro “espécimen” para asuntos internos); ello, sumado a su endeble estado emocional debido a los efectos de los estupefacientes, hará que las cosas se compliquen y que las circunstancias tomen un rumbo caótico y peligroso.


Este remake es mucho más plano desde la intensidad narrativa y desde la sordidez de las situaciones relatadas, se prescinden de elementos muy importantes y se lo dota de algunos ingredientes nuevos que a mi juicio no son del todo válidos para lograr un producto absorbente (se le agregan toques románticos y unos salpicones de surrealismo para simbolizar los efectos secundarios del consumo de drogas ilegales dentro de la mente del detective principal). Aquí los personajes son más planos, esbozados sólo a los fines de mostrar una simple cinta sobre corrupción policial y sobre los desastres que ocasionan las drogas. Pero la película se olvida de muchas de las facetas que poseía el personaje principal en la obra de Ferrara: su ludopatía, su sufrimiento espiritual, el proceso de redención interna, su opresión psicológica ya que la conciencia le reclama, su doble moral, y la búsqueda del perdón entre otras cosas. Todo ello era el alma de la cinta, aquí no aparece.


Por ello afirmo que si quieren ver un policial más completo y atrapante, pues hay que remitirse a la obra de Ferrara “Bad Lieutenant”, una película que no necesitaba remake (por más que se diga que no es un “remake oficial”), esa obra de 1992 es un filme mucho más vibrante y mejor elucubrado desde su orientación literaria. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)








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>Un Oso Rojo

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Título Original – Un Oso Rojo
Año – 2002
Director – Adrián Caetano
Elenco – Julio Chávez, Soledad Villamil, Luis Machín, Agostina Lage, Enrique Liporace

Un drama emotivo por la carga sentimental que lleva en sí, pero salpicado con algunos toques de acción bien resuelta desde las posibilidades que tiene una cinta de autor sin tanto presupuesto. Me encanta como Adrián Caetano expone en forma cruda la marginalidad argentina, ésa que no se ve siempre porque son ciudades ocultas que viven sus propios códigos y que sólo interactúan a través del delito con las sociedades visibles. Muy bien retratada la miseria, la falta de oportunidades para salir adelante en un país con recesión, las planificaciones para cometer atracos, las dificultades para sobrellevar el mantener una familia con un trabajo digno, las opciones no santas que están al alcance de las manos para tener un respiro fácil ante tanta opresión.
Pero también está el aspecto afectivo, el de un padre que ve cómo la cárcel le ha cercenado la posibilidad de criar a su hija y mantener la relación con su esposa. Un hombre que si bien quiere restituirse a la sociedad, bien difícil la tiene pues el contexto socio-económico no ayuda en nada y por ende los escapismos son la respuesta inmediata para la supervivencia. Claro mensaje crítico sobre cómo las prisiones argentinas son meros contenedores de reos y no sirven para reeducar a los individuos para salir y reinsertarse a la población económicamente activa.
La cinta es hiperrealista, apenas se le pueden encontrar algunos bachecitos lógicos mínimos si nos ponemos exquisitos en los detalles. Pero la cinta transpira argentinidad marginal por todos sus poros, nos delata al mundo como un país en vías de desarrollo con mucha gente que quiere sacar a la nación adelante, pero otros tantos que no piensan así. Fotografía sobria, movimientos de cámaras ampulosos y agitados, música cumbia muy acorde al estrato social que despliega el filme y una magnífica interpretación de Julio Chávez que borda su papel de hombre rudo al mejor estilo Bruce Willis o Vin Diesel. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)


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>Serpico

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Título Original – Serpico
Año – 1973
Director – Sidney Lumet
Elenco – Al Pacino, John Randolph, Jack Kehoe, Tony Roberts, Biff McGuire

Probablemente la mejor película de Sidney Lumet desde mi punto de vista, pretende abordar la frustración de un policía real que no imaginaba que los valores que juró defender estaban interiormente corrompidos sistemáticamente. El cuerpo de la Policía mostrado en “Serpico” apenas deja títere con cabeza, desde los policías más insignificantes, pasando por los altos mandos y terminando con los políticos, más preocupados por los resultados electorales que de un escándalo derivado de un conflicto interno y tan serio, así como el desinterés por acceder a una investigación y posterior limpieza.
La película anticipa en su comienzo la tragedia que supone la experiencia para su protagonista, un brillante comienzo, confuso pero contundente a la vez que avisa de las consecuencias. Frank Serpico, en ningún momento pretende ser un héroe, simplemente quiere realizar su trabajo con profesionalidad y disciplina, algo que no tardará en descubrir que es una tarea poco menos que imposible. Pacino en pleno estado de forma evidencia la capacidad del policía para actuar con corrección, a la vez que lo fusiona con su mundo personal, al que termina afectando de manera inevitable.
Lumet retrata la sociedad del momento con buen criterio, la época del amor libre en el que las relaciones comenzaban con tanta rapidez como terminaban, en función muchas veces de intereses personales y sociales. Poco a poco el la sombra del inicio se hace más patente, a medida de que los acontecimientos se van transformando en una cruzada interminable no augura un final feliz. El film promueve el cambio a través del valor de un sólo individuo, que con su predisposición puede sorprender lo que llega a conseguir. (Calahan: Filmaffinity)


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Título Original – Dog Day Afternoon
Año – 1975
Director – Sidney Lumet
Elenco – Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Carol Kane, Chris Sarandon

Sidney Lumet, que casi treinta años más tarde volvería al subgénero de los atracos con otra obra maestra (Antes que el diablo sepa que has muerto), contó con esta Tarde De Perros una tesis sobre las tensiones sociales y como estas estallan en las situaciones límite. Basándose en unos sorprendentes hechos reales, lo que Lumet ofrece en principio no es más que un sencillo atraco a una pequeña sucursal de un banco de Brooklyn. Pero a medida que avanza la trama, el director, muy inteligentemente, nos descubre sus verdaderas intenciones, al presentarnos poco a poco a los dos atracadores, a sus rehenes, y las reacciones de policías y civiles en el exterior.
De esta manera, descubrimos que el quiz de la trama no es el atraco y que este se lleve a cabo, sino el detallado estudio, casi psicológico, de los motivos de Sonny y Sal (Pacino y Cazale), para llevar a cabo el robo y continuarlo; el estudio individual de la moral y los principios en las situaciones límite, por parte de los rehenes; y el revuelo social, que deja entrever las fobias de la sociedad, los prejuicios y los peligros del fanatismo.
Que una idea inicial de para semejante discurso ya es de por sí, loable; pero que además el ritmo, el tono, y las intenciones de la cinta sean tan desconcertantes, tan tensas, son un logro de tamaño gigantesco. Por ello, tanto el guión, como la dirección, dan en la diana con una historia valiente y descorazonadora. Sonny y Sal son dos criminales atípicos. Fieles, educados, no demasiado violentos y hasta cierto punto, coherentes. Pero sin embargo, las interpretaciones de Pacino y Cazale son tan complejas que ambos ofrecen una dramática y oscura visión de sus personajes, medidos, calculadores y profundamente desconcertantes.
Cada instante de ambos en pantalla (Pacino haciéndose cargo de unos magníficos diálogos y párrafos; Cazale absorbiendo energía en sus silencios), trasladan Tarde De Perros de buena película a clásico, por esos dos personajes miméticos, enérgicos e hipnóticos, como ambos actorazos siempre fueron. (Jaly: Filmaffinity)


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Título Original – The Taking Of Pelham 123
Año – 1974
Director – Joseph Sargent
Elenco – Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam, Hector Elizondo, Tony Roberts

Los 70’s fueron buenos tiempos para el thriller y “Las Toma Del Pelham 123” es buena muestra de ello. Claustrofóbica a la par que trepidante, la película de Joseph Sargent carece de las aspiraciones de crítica social de otras obras del género de esa misma época y tal vez por ello no disfruta del prestigio y reconocimiento crítico del que si gozan esas otras cintas. Sin embargo, esta falta de aspiraciones no significa que el film no sea una excelente muestra del fresco colectivo y convulso que configuraba el Nueva York setentero.
Y es que el film se beneficia de una puesta en escena característica de aquellos años, así como de un guión milimétrico que es capaz de mantener in crescendo en todo momento la intriga de la trama y que ha sido fuente de inspiración de obras posteriores (Quentin Tarantino confiesa tener a “La Toma Del Pelham 123” como uno de sus films de referencia). Pero más allá de estos elementos, la película no sería lo que es sin la vigorosa dirección de Joseph Sargent, un cineasta habitualmente discreto que da en el clavo esta vez. Y también resultaría injusto no hacer referencia a una banda sonora sencillamente colosal, también genuina de su época, firmada por David Shire.
La película disfruta también de un cuidado elenco de actores encabezado por un Walter Matthau alejado de los registros cómicos que lo convirtieron en una celebridad, pero que se trae consigo una buena dosis de su socarronería habitual, otorgando a su personaje de jefe de seguridad del suburbano un dejo irónico que resulta del todo positivo para el devenir del film. En el otro lado de la cinta (y de la ley) se sitúan, entre otros, un pletórico Robert Shaw que disfruta como pez en el agua en la recreación del malo malísimo de la función y un Martin Balsam que borda su papel, entre lo entrañable y lo patético; de un fracasado abocado al camino del crimen por las circunstancias de la vida. (Dabiteskimo: Filmaffinity)


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Título Original – Demolition Man
Año – 1993
Director – Marco Brambilla
Elenco – Sylvester Stallone, Wesley Snipes, Sandra Bullock, Rob Schneider, Nigel Hawthorne

Una simpática y agradable cinta de ficción. Extrañamente pareciera que es una de esas producciones de Hollywood descartables, pero no me quedan dudas que “Demolition Man” aporta varios ingredientes que merecen ser reconocidos:
* El duelo de los personajes principales Stallone-Snipes es atractivo de principio a fin. Este combate interracial mantiene al espectador entretenido, ambos poseen carisma y presencia sumamente sugerentes como para que la acción en las coreografías de lucha impacten por su sensacionalismo. Sandra Bullock y su espontánea naturalidad al actuar contribuye otorgándole un marco de agraciada candidez ante tanta violencia desplegada.
* De fondo la cinta aboga el derecho a la libertad tanto física como ideológica, planteando una historia futurista donde la erradicación de la violencia supone otro mal peor como es el totalitarismo de estado. Gran mensaje el de que no siempre el futuro es mejor, muchas referencias melancólicas hacia un pasado -aunque salvaje- que posee elementos culturales de los cuales aprender y que deben permanecer. También no menos interesante es la reflexión sobre que una sociedad se construye en base a la búsqueda del equilibrio entre lo vivido y lo utópico por vivir.
* Brillantes efectos de sonido, conseguido trabajo en iluminación y competentes efectos visuales hacen del aspecto estético otra faceta a ser tenida en cuenta.
* Mucha simpatía gracias a una propuesta donde la ingenuidad y la mala intencionalidad se combinan a la perfección. Grandes secuencias donde el humor deviene de ocurrencias singulares y que serán recordadas tales como las infracciones al estatuto de moralidad verbal, los modernos métodos en relaciones sexuales o de higiene anal luego de las evacuaciones por mencionar algunas.
En fin, si bien sigue muchos de los convencionalismos del género, esta alternativa resulta un refrescante pasatiempo con muchos toques humorísticos que ocasionan graciosos efectos secundarios reflexivos sobre la organización en la regulación de las sociedades. (Betomovies: Betomoviesyelcine.blogspot.com)


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Título Original – The Bone Collector
Año – 1999
Director – Phillip Noyce
Elenco – Denzel Washington, Angelina Jolie, Queen Latifah, Michael Rooker, Mike McGlone

Motivada por el efecto de la película “Seven” principalmente, de la cual es deudora casi por completo, el director pretende dar un giro original con el policía minusválido cuya interpretación de las motivaciones criminales de aquellos que persiguió sigue estando intacta, ayudado por una joven y avispada policía que se convierte en sus ojos y extremidades para intentar atrapar a un asesino en serie que tiene un mórbido estilo para acabar con sus víctimas. En líneas generales el film de Phillip Noyce es muy correcto y está bien elaborado y dirigido, tan sólo la mediocridad del guión hará que determinadas fases del mismo naufraguen.

La química entre Washington-Jolie es escasa y la definición de los acontecimientos es lo que realmente mantiene el interés. Si la película tiene un tono bastante lineal en su mitad, esta comienza a decaer en su segunda parte, en la que el desarrollo de los sucesos marcará un final simplemente desastroso que dará al traste con sus buenas intenciones. La relación entre el dúo protagonista terminará siendo tan alocada que simplemente queda en un disparate de cómoda resolución, casi tan penoso como su funesto final, tan apático, indiferente que carece de cualquier sentido. La conclusión final es la de un film bienintencionado, con un nivel de acierto en su arranque, pero con un mal desenlace. (Callahan: Filmaffinity)


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Título Original – In The Line Of Fire
Año – 1993
Director – Wolfgang Petersen
Elenco – Clint Eastwood, John Malkovich, Rene Russo, Dylan McDermott, Gary Cole

“En la línea de fuego” bajaría muchos enteros si los protagonistas fueran otros, pero Clint Eastwood y John Malkovich bastan para admirar este trabajo de Wolfgang Petersen. Soy de la opinión de que ésta puede ser su mejor película. Guión bastante correcto, interpretaciones titánicas – con Rene Russo completando el trío sin desentonar en absoluto, y, sobre todo, mucha acción y gran profundidad del perfil de ambos antagonistas. Frank Horrigan no sólo se ve obligado a rejuvenecer físicamente para atrapar al psicópata que le redimirá en una catarsis de su error pasado, sino que el personaje de Malkovich le someterá a una presión psicológica todavía más implacable.
La banda sonora de Morricone, sin estar entre las más importantes de las suyas, es solvente y, además, para no crear la sensación de que estamos ante otra entrega de la saga de Harry Callahan, Petersen se permite ir más allá, incluso homenajeando a Hitchcock. Cierto es que el final se resuelve con poco cuidado en comparación con el resto de la trama, pero eso no desmerece el conjunto global. (Luis Miguel: Filmaffinity)



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